L’histoire de l’art 101 avec Sara Howie

Le mouvement Arts and Crafts : quand la beauté rencontre l’utilité

Et si la beauté ne se limitait pas à la simple décoration ? Né en réaction à un monde en pleine industrialisation, le mouvement Arts and Crafts défendait le savoir-faire artisanal, la créativité et l’idée que les objets du quotidien devaient être à la fois beaux et conçus avec soin.

Des motifs botaniques raffinés aux détails inspirés du Moyen Âge, son influence continue de façonner notre vision de l’art et du design. Cet esprit intemporel se retrouve dans certaines œuvres de notre collection Fable. En compagnie de Sara Howie, historienne de l’art, découvrons les idées derrière un mouvement qui croyait que beauté et utilité devaient aller de pair.

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« On ne fait plus les choses comme avant. »

Par Sara Howie

Bienvenue à Histoire de l’art 101, votre guide accessible pour mieux comprendre l’art, sans prise de tête ! Pas de jargon, pas de cours magistral, juste un peu de contexte pour apprécier l’art encore davantage.

Pour comprendre le mouvement Arts and Crafts (1880-1920), il faut d’abord comprendre le contexte dans lequel il est né, en réaction aux transformations de son époque. Dans ce cas-ci, il s’agit de la révolution industrielle en Grande-Bretagne.

Quand on pense à la révolution industrielle, on pense probablement aux grands bouleversements qui ont marqué le tournant du siècle. On se rappelle l’apparition des usines modernes, l’électrification des maisons et des entreprises, ainsi que la multiplication des biens et des services abordables rendue possible par ces grandes avancées technologiques. Pour la première fois, les gens ordinaires pouvaient meubler et décorer leur maison avec des textiles, des meubles et des objets en céramique qui, à peine une génération plus tôt, auraient été considérés comme des luxes inimaginables.

*Œuvre illustrée : Intérieur d’une filature de coton (1908), photographié par Lewis Wickes Hine. Un aperçu de la production textile à l’ère industrielle. Image : Library of Congress, via Wikimedia Commons (domaine public).

Tout le monde ne voyait pas ces changements d’un bon œil. Plusieurs artistes, designers, architectes et penseurs estimaient que la production industrielle mécanisée entraînait une dégradation de l’art et de l’artisanat. Les produits coûtaient désormais moins cher, certes, mais ils étaient aussi plus minces, plus fragiles et dépourvus d’originalité. Les critiques déploraient cette baisse de qualité.

On entend souvent dire qu’« on ne fait plus les choses comme avant ». C’est essentiellement ce qu’affirmaient des personnalités comme William Morris, Walter Crane et John Ruskin au milieu du XIXe siècle. Ces artistes réclamaient non seulement des produits de meilleure qualité, mais aussi des méthodes de fabrication plus éthiques. C’est de cette réflexion qu’est né le mouvement que nous connaissons aujourd’hui sous le nom d’Arts and Crafts, qui tire son nom de l’Arts and Crafts Exhibition Society, fondée à Londres en 1887.

*Œuvres illustrées : William Morris, accompagné de pages de la préface d’Arts and Crafts Essays (1893). Figure majeure du mouvement Arts and Crafts, Morris défendait le savoir-faire artisanal, l’intégrité artistique et la valeur des objets du quotidien fabriqués avec soin.

Il est important de préciser que les figures de ce mouvement n’étaient pas « contre les machines ». Ce qu’elles critiquaient, c’était plutôt le système des usines modernes, qui divisait la fabrication d’un objet en une multitude de petites tâches distinctes et répétitives. Dans ces usines, aucun ouvrier ne participait à la fabrication d’un objet du début à la fin. Ce système ne permettait pas aux travailleurs de développer les compétences nécessaires pour devenir des artisans qualifiés. C’est cette déqualification du travail que dénonçait le mouvement Arts and Crafts.

Bon nombre des artistes, architectes et designers du mouvement étaient également socialistes et militaient pour de meilleures conditions de travail ainsi que pour des formes de propriété coopérative fondées sur le modèle des guildes. Ces penseurs défendaient la « dignité du travail », selon laquelle la manière dont un objet est fabriqué est tout aussi importante que l’objet fini lui-même.

*Œuvre illustrée : Intérieur de Standen House (1892–1894), une demeure conçue par Philip Webb et décorée par Morris & Co. Image : Michael Gaylard, via Wikimedia Commons (CC BY 2.0).

Il est important de préciser que les figures de ce mouvement n’étaient pas « contre les machines ». Ce qu’elles critiquaient, c’était plutôt le système des usines modernes, qui divisait la fabrication d’un objet en une multitude de petites tâches distinctes et répétitives. Dans ces usines, aucun ouvrier ne participait à la fabrication d’un objet du début à la fin. Ce système ne permettait pas aux travailleurs de développer les compétences nécessaires pour devenir des artisans qualifiés. C’est cette déqualification du travail que dénonçait le mouvement Arts and Crafts.

Bon nombre des artistes, architectes et designers du mouvement étaient également socialistes et militaient pour de meilleures conditions de travail ainsi que pour des formes de propriété coopérative fondées sur le modèle des guildes. Ces penseurs défendaient la « dignité du travail », selon laquelle la manière dont un objet est fabriqué est tout aussi importante que l’objet fini lui-même.

*Œuvre illustrée : Intérieur de Standen House (1892–1894), une demeure conçue par Philip Webb et décorée par Morris & Co. Image : Michael Gaylard, via Wikimedia Commons (CC BY 2.0).

Le véritable caractère révolutionnaire du mouvement résidait dans sa volonté de transformer complètement le design. Inspirés par les traditions artisanales du Moyen Âge, ses artistes prônaient la création de petits ateliers, la renaissance des savoir-faire traditionnels, une reconnaissance renouvelée des arts décoratifs et le retour aux guildes d’artisans. Des techniques comme l’émaillage, la céramique, la broderie, la calligraphie et la sculpture sur bois étaient remises à l’honneur et encouragées.

Ce mouvement ne cherchait pas tant à imposer un style unique qu’à défendre un ensemble de principes. Parmi les plus importants figuraient l’utilité des objets et ce que les artistes appelaient la « vérité des matériaux » : le bois devait avoir l’apparence du bois, et le marbre, celle du marbre. Les objets ainsi créés témoignaient d’un savoir-faire exceptionnel et présentaient des motifs simplifiés et inspirés de la nature, contrastant fortement avec les ornements chargés alors à la mode. Ces objets étaient beaux, mais ils étaient aussi conçus pour durer.

*Œuvre illustrée : Chair in English Oak (1911), d’Ernest W. Gimson. Un bel exemple du savoir-faire artisanal et de l’utilisation authentique des matériaux propres au mouvement Arts and Crafts. Image : The Studio Yearbook of Decorative Art, via Wikimedia Commons (domaine public).

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